Profondément marqué par les hommes et femmes décrits dans les livres de Simenon, je suis toujours très touché par les gens qui vont, tels des personnages de romans, « jusqu’au bout d’eux-mêmes ». Car se réaliser ainsi, c’est sans doute la seule manière honnête de vivre et de pouvoir se regarder dans la glace.
Ces gens-là, on n’en trouve pas forcément beaucoup. Mais il y en a … notamment chez les grands artistes. Ces « grands parmi les grands », perdus (avec leurs ailes d’albatros) dans notre monde de dingue et qui, même vieux (comme Dylan en musique, mais ce n’est qu’un exemple), continuent leur trajectoire d’extraterrestre jusqu’au bout de leur vie (malgré la maladie, malgré la déchéance), me fascinent.
Je ne sais pas si les quelques lignes que je viens d’écrire ci-dessus seront comprises, mais c’est ce que j’ai eu envie d’écrire très spontanément en regardant les dernières images d’un géant, Johnny Cash, filmé ici en 2002, l’année précédant sa mort. Ce sont juste les mots qui me sont venus. Il y a dans les yeux et les traits du visage du vieux Cash le résumé et l’aboutissement de toute une vie. Et le regard plein d’amour que porte la chanteuse June Carter sur son mari est quelque chose de très fort dans la vidéo. June mourra quelques mois après le tournage de ces images, Johnny ne lui survivra que de quelques mois.
Lorsqu’en 1969 je suis entré dans l’univers de Georges Brassens, c’est grâce à ses musiques. Pas ses textes ! Ses textes, pour si magnifiques qu’ils soient, ne sont entrés en moi que plus tard (enfin, guère plus tard …). Plusieurs de mes amis sont comme moi, c’est bien la musique qui a constitué pour eux la porte d’entrée dans l’oeuvre de Brassens.
La richesse des musiques de Brassens, les musiciens connaissent bien … un jeune saxophoniste de jazz qui évolue dans les milieux musicaux parisiens me disait il y a quelques semaines que tous ses copains musiciens, de son âge, connaissaient tous les musiques de Brassens.
Brassens est repris depuis longtemps par des tas de musiciens, par exemple des quatuors à cordes, mais surtout par les jazzmen (au moins une cinquantaine de ses morceaux ont été repris en jazz) et on sait que sa musique, quand on la regarde d’un peu près, c’est du jazz (comme le dit Joël Favreau qui a été son dernier musicien) ou tout du moins qu’elle « appelle » à être interprétée en jazz.
Il fut une époque où les gens raillaient le côté simpliste des musiques de Brassens. Aujourd’hui, je n’entends plus ce type de propos, je crois que les vieilles générations ont été remplacées par d’autres générations pour qui la musique a pris de l’importance au fil du temps. Depuis la période des sixties, on a tous été plus ou moins été baignés dans la musique et finalement, il y a bien plus de gens pour se rendre compte de la qualité des choses.
Avant de continuer ma série d’articles sur Brassens, j’ai donc trouvé important d’insister sur la qualité de ses musiques. Et je vous propose, en deux articles successifs, une série de vidéos qui en diront bien plus que moi, et infiniment mieux surtout. Prenez le temps de regarder ces trois premières, elles sont vraiment de qualité.
Dans le prochain article sur Brassens, trois autres vidéos vous parleront de l’adéquation entre musiques et textes. D’ici là, vivez … en musique !
Ah oui, j’oubliais un truc important : je dédie (« une fois n’est pas costume » dirait Fillon) cet article à Florent.
Avec des amis on est rentré tout juste ce soir de Liège, la tête pleine de musiques. Pleine de musiques de Brassens. Car notre objectif était avant tout le festival Brassens. Nous n’avons pas tout vu, pas tout entendu, mais en deux jours : 6 concerts + une scène ouverte. Et pas beaucoup de temps pour aller boire des bières dans Liège !!!
Je reparlerai peut-être du festival dans un autre article mais pour l’instant je dirai juste quelques mots sur l’une des deux prestations qui m’a le plus impressionné : Contrebrassens organisé autour de la chanteuse Pauline Dupuy. Sur ses disques (deux albums et deux singles que vous pouvez écouter sur les sites de streaming), il y a en général de nombreuses musiciens mais en live l’accompagnement se réduit juste à Michael Wookey, homme « touche à tout » (banjo, piano, cloches …). Mais Pauline a une telle présence, elle est si scotchante avec sa contrebasse qu’elle remplit l’espace sonore à elle seule …
Sur Youtube, on trouve quelques vidéos de cette artiste, j’en ai sélectionné trois :
Vous pouvez trouver sur Youtube d’autres vidéos en tapant simplement « Contrebrassens ».
Drôle de destin que ce texte d’Antoine Pol. Texte magnifique écrit il y a plus d’un siècle (1911) mais qui aurait pu sombrer dans les oubliettes de l’Histoire, y compris son auteur d’ailleurs, sans leur découverte par Brassens.
Lorsque Brassens est arrivé à Paris, il a été pendant quelques années un véritable « rat de bibliothèque », avalant goulûment tous les textes des poètes (on dit qu’il connaissait des milliers de poèmes par coeur) et c’est chez un bouquiniste qu’il a découvert en 1942 un livre de poésie d’Antoine Pol. Le texte « Les Passantes » l’a attiré et il a commencé à travailler dessus avant de le laisser de côté … pendant près de trente ans. Ce n’est que bien plus tard qu’il en a fait la musique définitive (ou plutôt « les musiques » car il existe deux versions alternatives non retenues), après avoir obtenu l’autorisation de le faire par Antoine Paul, auteur inconnu.
Lorsque Brassens a pris rendez-vous avec Antoine Pol, celui-ci venait juste de décéder et n’a donc jamais entendu la chanson.
La musique a été composée en 1969 et la chanson a été créée sur scène en octobre 1972, la voici chantée pour la première fois.
A noter que Brassens a apporté quelques modifications au texte d’Antoine Pol : il a éliminé deux strophes, remplacé trois mots et interverti deux vers.
Voici une autre version enregistrée quelques années plus tard en 1977 (derrière Brassens, Pierre Louki) :
Tout est dit ! Les autres versions qu’on trouve sur internet, bof bof … Je viens d’en regarder une dizaine, peu de choses m’ont séduit. A noter toutefois, dans un registre musical très différent, Djamel Djenidi :
Sans doute que je parlerai d’autres versions dans les commentaires de cet article, mais il faut que je cherche un peu plus sur Youtube et de manière plus approfondie que ce que j’ai fait jusqu’à présent.
En attendant, deux versions instrumentales aux antipodes l’une de l’autre :
Brassens, homme libre par excellence, a toujours revendiqué le droit de vivre sa propre vie loin du troupeau. L’une des chansons des premiers disques, « la mauvaise herbe » le dit clairement.
Je me rappelle que le grand-père de Joëlle, dans les années 60, tombé comme beaucoup de personnes sous le charme du Brassens des années 50, ne lui avait pas pardonné le fait d’avoir écrit « La guerre de 14-18 ». Je comprends … mais on doit reconnaître bien évidemment le droit à Brassens d’avoir un avis contraire de celui de la majorité des gens (d’autant plus que, contrairement à la plupart des autres chansons, « la guerre de 14-18 » est à prendre au second degré. Et d’autant plus aussi que, fait peu connu, Brassens disait à ses amis que sans la guerre de 14-18, qui a tué le premier mari de sa mère, il ne serait jamais né). Ceci explique peut-être en partie cela.
Même si Brassens a été touché par le fait que sa chanson ait suscité une polémique, il a récidivé quelques années plus tard avec un texte de la même veine : « Les deux oncles ». Mettre dos à dos les Anglais (les alliés) et les Allemands (les attaquants), évidemment, ça n’allait pas faire l’unanimité, même si l’on était à une époque où la fibre patriotique était devenue rare. Et les mêmes personnes qui avaient réagi à « La guerre de 14-18 » lui en ont voulu une fois de plus. Je connais cette chanson par coeur, je la chante depuis 50 ans (j’en aime énormément la musique), mais comme cet été j’ai découvert un grand bonhomme (Jean-Pierre Arbon, dont je reparlerai dans un autre article), je vous la livre dans une version récitée, le fait de la réciter apportant, contre toute attente de ma part, un éclairage un peu différent (si vous n’avez pas le temps de regarder toutes les vidéos de cet article, regardez au moins celle-ci).
En 1971, dans son avant-dernier disque, Brassens a sorti une chanson qui n’a pas été comprise par les mêmes personnes et qui a été critiquée par nombre de militants de tous bords : « Mourir pour des idées ». Mais malgré tout la chanson a eu, d’une certaine façon, son heure de gloire car bon nombre de chansons du disque XI ont été très diffusées à la radio (Brassens, à cette époque-là, était devenu une institution et il était hors de question de censurer ses propos, contrairement à la décennie précédente). Je vous présente une autre version, récitée elle aussi (mais en plus théâtral) de cette chanson.
Et enfin, pour continuer sur le scepticisme de Brassens vis à vis des grandes causes, une dernière chanson qu’il a composée juste avant sa mort, dans laquelle il enfonce encore le clou, et qu’il n’a pas eu le temps d’enregistrer : « Le sceptique ». Jean Bertola l’a chantée et fait connaître au public en 1982, deux ans après la mort de Brassens. Même si je reconnais le mérite énorme de Bertola d’avoir fait connaître cette chanson posthume au grand public, je préfère celle de LeForestier une dizaine d’années plus tard et celle également de Denis Ruelland (membre du trio « Le bon maître nous le pardonne »). Voici les versions, très différentes l’une de l’autre, de Bertola et de Ruelland :
Brassenssophile ou non, y a dans cet article matière à discuter sur l’engagement militant et sur le fait que si on regarde notre histoire, récente ou non, même les idées les plus nobles ont engendré énormément de morts. De quoi effectivement être sceptique !
Une chanson vit sa propre vie. Elle est lachée dans la nature par son auteur et, à partir de ce moment-là elle ne lui appartient plus. Advienne alors que pourra !
Certaines chansons ne seront pas remarquées par le public et passeront complétement inaperçues. D’autres auront un « succès d’estime ». Certaines connaîtront parfois un moment de gloire éphémère mais disparaîtront vite du circuit. Et puis d’autres passeront l’épreuve du temps et garderont la faveur du public pendant des décennies. Ainsi en est-il de la chanson « y’a de la joie » de Trenet dont tout le monde (ou à peu près) connaît l’air et quelques paroles alors qu’elle a été écrite il y a plus de 80 ans. Ces chansons-là que l’on qualifie parfois de « éternelles » (terme sans doute très exagéré) n’ont pas besoin d’ambassadeurs, elles possèdent leur propre dynamique interne et de ce fait se sont imposées d’elles-mêmes dans notre culture. Mais beaucoup d’autres, qui ont été écrites il y a quelques dizaines d’années, ne peuvent continuer à vivre que si les générations suivantes les reprennent.
Aujourd’hui il y a foison d’artistes pour reprendre certaines chansons des années 50, 60 et 70 (période sur laquelle j’aime bien me pencher), et on en a vu des exemples avec les deux articles que j’ai consacrés à la chanson « Est-ce ainsi que les hommes vivent ? » (Aragon/Ferré). Il y a donc plein d’artistes professionnels qui font revivre des chansons faisant partie désormais de notre patrimoine culturel.
Mais ce n’est pas de ces artistes-là que je vais parler dans cette rubrique. Je voudrais mettre en avant les autres, des humbles, de ceux pour qui la musique fait partie du pain quotidien et qui continuent inlassablement à jouer les musiques qu’ils aiment, pour eux-mêmes d’abord mais aussi pour leurs proches. Ils n’en vivent pas financièrement, ce sont de simples amateurs, mais la vie musicale d’un pays n’a de sens que si elle est alimentée par quelque chose de fort qui vient de la base. Le confinement a, d’une certaine manière, contribué à faire connaître ces inconnus qui, à un moment donné, ont osé publier leurs vidéos sur Youtube (je dis « osé » car on n’imagine pas comme il est difficile de chanter devant d’autres et c’est sans aucun doute un acte difficile que de franchir le pas à un moment donné). Alors, au travers de cette nouvelle rubrique, je veux rendre hommage à ces inconnus. Bien sûr, ces artistes-là écrivent parfois textes et musiques et je pourrais parler de leurs compositions (peut-être un jour …). Mais je vais axer cette rubrique uniquement sur ces amateurs qui font des reprises d’auteurs anciens et qui contribuent à maintenir vivace notre mémoire musicale. Il est possible que, parmi les gens dont je vais parler, il y ait quelques personnes qui se produisent à l’occasion sur de petites scènes locales, mais globalement ces gens-là restent de véritables amateurs (dans le sens noble du terme).
Je dédie ce premier article de la série à Jacqueline (et aussi à Jehan qui est musicien), d’une part parce que je suis très admiratif du fait que Jacqueline continue à venir sur ce blog, malgré ses 88 printemps et ses gros problèmes de santé. Mais aussi parce que le premier artiste dont je vais vous présenter les vidéos, est, tout comme Jacqueline, de nationalité suisse.
Il se produit sous le nom de Doumé et j’ai vu quasiment toutes ses vidéos. Je l’ai découvert en recherchant une manière de jouer « le vingt-deux-septembre » de Brassens. Puis de fil en aiguille, je suis tombé sur d’autres vidéos. En voici quelques-unes.
– Paris-Canaille (Léo Ferré 1953)
– L’âme des poètes (Charles Trenet 1951)
– Madeleine (Jacques Brel 1962)
– Le vingt-deux septembre (Brassens 1964)
– Black trombone (Serge Gainsbourg, 1962)
Vous trouverez sur Youtube des dizaines d’autres productions de Doumé.
Et, secrétement, j’espère que certains des musiciens dont je vais parler au fil des mois dans cette nouvelle rubrique (un article par mois peut-être), viendront faire un tour sur ce blog. Enfin, j’ai le droit de rêver …
« Est-ce ainsi que les hommes vivent ? » C’est une question que je me pose souvent, notamment en cette période trouble (c’est le moins qu’on puisse dire) où je me sens de moins en moins concerné par ce monde qui commence à aller bien trop vite pour moi et pour mes pauvres neurones vieillissants. Et comme je suis très en colère en ce moment avec l’actualité liée au Covid, il faut que je prenne du large, ceci explique aussi pourquoi je me replonge avec délectation dans ce que j’appelle mes « musiques et textes fondateurs », c’est à dire tous les écrits et toutes les musiques qui ont contribué à former l’ado que j’étais il y a bien longtemps (j’ose pas dire le chiffre !). Et j’ai un peu la nostalgie (sans doute une nostalgie de vieux con, mais j’assume) d’une époque où il y avait une belle fusion de la poésie des grands auteurs avec celle de la musique. Retour donc à mes racines.
Aragon m’a beaucoup marqué lorsque je l’ai découvert dans les années 70 (c’est Alain, un cousin journaliste qui me l’avait fait connaître). A la lecture de ses textes, il est évident qu’il y a une telle sonorité des mots eux-mêmes (et de leur phrasé) qu’ils ne pouvaient qu’être mis en musique tôt ou tard (ce que je dis là est un lieu commun, cela a été souvent écrit par plein de gens) . Une première expérience, magistrale, de mise en musique d’un texte d’Aragon avait été faite par Brassens en février 1954 (« il n’y a pas d’amour heureux ») (je ne m’en rappelle pas du tout, j’avais encore deux mois à vivre bien au chaud avant d’apparaître sur terre), puis bien plus tard par Ferré et par Ferrat.
Ferrat a eu un succès retentissant pendant toutes les années 60, et notamment grâce à une douzaine de chansons d’Aragon enregistrées sur les albums allant de 1963 à 1969 et regoupées ensuite sur une édition de 1971 (« Ferrat chante Aragon ») (titres les plus connus : « Que serais-je sans toi », « Aimer à perdre la raison », « Nous dormirons ensemble », « Un jour, un jour », « Le malheur d’aimer » …).
Mais c’est le disque de Léo Ferré (« Ferré chante Aragon ») qui m’a le plus marqué. Il a été publié en 1961 et Ferré avait commencé à travailler sur ce projet dès 1958. Les textes choisis pour être mis en musique par Ferré étaient plus difficiles sans doute que ceux choisis par Ferrat, mais avaient une charge émotionnelle bien plus forte (d’ailleurs, ce fut un très beau succès pour Ferré, le public ne s’y est pas trompé). Les deux morceaux les plus emblématiques de ce disque furent « L’affiche rouge » (dont j’ai déjà parlé sur ce blog) et « Est-ce ainsi que les hommes vivent » (j’y reviendrai tout à l’heure).
J’ai toujours aimé la complémentarité entre poésie et musique, cette alchimie si particulière (que l’on retrouvera d’ailleurs chez Ferré un peu plus tard avec de magnifiques mises en musique de Verlaine, Rimbaud, Apollinaire et Baudelaire).
Deux citations concernant cette alliance poésie/musique. La première est d’Aragon qui avait été impressionné par le travail de re-création de ses poésies par Ferré et qui vouait d’ailleurs beaucoup de gratitude au chanteur : « À chaque fois que j’ai été mis en musique par quelqu’un, je m’en suis émerveillé, cela m’a beaucoup appris sur moi-même, sur ma poésie ». (extrait de « Léo Ferré et la mise en chanson », Aragon)
Deux autres citations, cette fois-ci de Léo Ferré. La première : « Je crois à une double vue, celle du poète qui a écrit, celle du musicien qui voit ensuite, et perçoit des images musicales derrière la porte des paroles. » (« Les chants de la fureur », anthologie posthume Gallimard 2013). Deuxième citation, beaucoup plus connue : « La poésie est une clameur, elle doit être entendue comme la musique. Toute poésie destinée à n’être que lue et enfermée dans sa typographie n’est pas finie; elle ne prend son sexe qu’avec la corde vocale tout comme le violon prend le sien avec l’archet qui le touche. » (texte écrit en 1956, publié seulement en 1971 dans la chanson « Préface »).
Si j’écris cet article aujourd’hui c’est parce que je suis tombé tout à l’heure sur deux interprétations magnifiques de la chanson « Est-ce ainsi que les hommes vivent » (texte d’Aragon/musique de Léo Ferré).
La première vidéo (2011) est d’une simplicité et d’une profondeur désarmantes. Elle me touche beaucoup. Je n’ai pas vraiment trouvé le nom de l’interprète (sans doute Brigitte …, Youtube ne donne pas beaucoup de renseignements).
La deuxième est de Philippe Léotard (1993), version que je connais par coeur (le disque « Léotard chante Ferré » est une vraie merveille) mais que je n’avais jamais vue en vidéo avant ce soir.
Et puis, pour rappel (car j’avais déjà écrit un article sur le sujet en 2009), la version de Lavilliers avec un orchestre symphonique …
L’époque n’est pas drôle et vous avez envie de vous jeter dans le canal ?
Ecoutez plutot ceci (mon coup de coeur du moment) … ! En attendant des jours meilleurs …
J’aimerais vous présenter aujourd’hui une chanson peu connue de Brassens. Je dis « peu connue » car Brassens n’a pas eu le temps de la chanter.
Trois ans après sa mort, Jean Bertola (qui faisait partie du cercle des amis de Brassens) s’est lancé en 1984 dans un très beau projet : enregistrer les chansons que Brassens n’avait pas eu le temps de chanter et, pour certaines, composer les musiques destinées à coller au mieux à des textes qui étaient seulement couchés sur papier. Bertola, grâce à la complicité des musiciens de Brassens (Pierre Nicolas et Joël Favreau) a eu ce grand mérite de nous faire connaître de magnifiques chansons qui auraient pu rester dans le fond d’un tiroir.
Une dizaine d’années plus tard, Maxime Le Forestier reprenait à son tour ces chansons dans de magnifiques interprétations (chansons qu’il a d’ailleurs souvent produites ensuite sur scène, dont à Besançon au Kursaal le 1er février 2006, j’en avais fait l’un de mes tous premiers articles du blog).
Parmi les 29 chansons qui n’ont eu qu’une vie posthume, il y en a une que j’aime particulièrement. Il s’agit de « Retouches à un roman d’amour de quatre sous ». Vous pouvez lire les paroles en cliquant ici.
Les deux premières vidéos que je vous propose sont sans image. Il s’agit-là des enregistrements faits successivement par Jean Bertola (1985) et Maxime Le Forestier (1996). Ces deux interprétations sont aux antipodes l’une de l’autre, jugez-en !
Brassens n’avait auparavant jamais traité ce thème, celui de la vie que les gens s’inventent. Et je trouve que cette chanson, qui aurait pu paraître vieillotte a priori (de par son thème), prend une toute autre dimension aujourd’hui. Car nous sommes entrés de plein fouet dans un monde factice, un monde dans lequel les technologies modernes (smartphones, blogs, facebook, et globalement internet …) permettent à chacun de peaufiner son image et de donner aux autres l’impression que l’on mène une vie très reluisante, que l’on fait telle ou telle chose … la plupart du temps très loin évidemment de la réalité. Ainsi va le monde …
On trouve sur Youtube d’autres versions de « Retouches à un roman d’amour de quatre sous », souvent réalisées par des amateurs (mais pas que !). Il y a même pas mal de versions et ça m’a surpris très agréablement.
Je vous propose successivement quatre lectures très différentes de cette chanson de Brassens (j’adore la première) :
Brassens n’ayant jamais chanté ces chansons, il est évident que cela décuple les possibilités d’interprétation de ceux qui voudraient se les approprier. D’où les grandes différences d’un interprète à l’autre.
Il y a longtemps, Dan et Dom m’avaient offert un magnifique cadeau : les trois volumes représentant les manuscrits de Brassens. Ouvrages superbes ! Concernant cette chanson, on remarquera, comme pour ses autres manuscrits, la calligraphie si particulière, si reconnaissable, de Brassens.
Il est possible que certains d’entre vous (pour les rares qui auraient écouté toutes les vidéos) aient remarqué une petite différence portant sur un mot : il y a ceux qui disent « que je garde la vérité » et ceux qui disent au contraire « que je farde la vérité ». Le verbe « farder » est bien plus fort évidemment, et surtout infiniment plus juste car on n’imagine pas Brassens annonçant qu’il va « garder » pour lui une vérité qu’il va ensuite raconter, cela n’aurait ni queue ni tête. Et comme Brassens avait le sens du mot exact, nul doute qu’il s’agit bien de « farde ». D’ailleurs, quand je regarde le fac-similé des manuscrits de Brassens, je remarque qu’il écrivait ses « f » quasiment comme des « s » et qu’il n’y a plus de doute possible, il s’agit bien de « farder ».
Petite anecdote concernant ce manuscrit : Brassens avait écrit une strophe incomplète en marge de son texte. Elle n’était sans doute pas destinée à être chantée (il y manquait deux vers) mais ça m’a fait sourire.
Enfin pour terminer : y aura peut-être dans un an une autre version sur Youtube : celle de Dupdup qui s’est remis à la guitare et qui prépare un petit truc pour 2021, année du centenaire de la naissance de Brassens.
C’est incontestable : il y a dans les pays du Nord une dynamique créative et artistique incroyable. Il y bien évidemment les écrivains et les romanciers qui sont devenus incontournables. Mais aussi les musiciens !
Aujourd’hui, nous irons faire un tour du côté de l’Islande.
La scène musicale islandaise est très florissante actuellement, inattendue même, car on n’imagine pas qu’il puisse y avoir une telle densité de talents au kilomètre carré dans un pays aussi petit (petit rappel : l’Islande a la même population que la ville de Nice et la démographie se limite à 3 habitants/km2, 35 fois moins que la France).
Lorsque Joëlle et moi sommes allés faire un petit coucou à nos amis en Belgique il y a un mois, Luc était dans une période « musique nordique » et il était en train d’écouter de la musique islandaise. J’ai relevé au passage le nom de Samaris et, de retour à la maison, j’ai écouté les disques de ce groupe.
Je ne suis pas coutumier de la musique électro mais je dois dire que j’ai été très séduit par ce groupe très jeune (déjà trois albums pourtant) qui échappe à toute classification, même si on retrouve le côté envoûtant (et magique ?) propre à bon nombre de musiques nordiques. Et j’ai aimé le type de formation qui est sans doute unique dans le monde de la musique : un chanteuse, une clarinettiste et un programmeur (on trouvera sur ce site une belle présentation du groupe, très intéressante à lire).
Samaris a eu la faveur de passer à trois reprises sur KEXP. Alors, ne boudons pas notre plaisir, les voici les trois par ordre chronologique (2015, 2016 et 2017).
Merci Luc pour cette belle découverte ! Sans toi, je serais passé à côté …
Deuxième article consacré à Christina Pluhar et à son ensemble « l’Arpeggiata ».
Cet ensemble met en place des projets musicaux d’une très grande diversité : musique de la Méditerranée, d’Amérique du Sud, musique de Purcell …
Parmi les musiciens qui viennent d’horizons très divers, on retrouve ici Céline Scheen et Vincenzo Capezzuto. Le concert est enregistré il y a un peu plus d’un an au festival de Sablé.
« le groupe a été créé pour mettre le portugais en musique, en ramenant la langue à son format musical … Les chansons sont très courtes car à chaque mot correspond une certaine ambiance. C’est un monde de l’intuition. ». C’est avec ces mots que Pedro Ayres Magalhaes, guitariste du groupe, définit Madredeus.
J’ai toujours beaucoup écouté les musiques traditionnelles asiatiques. Les musiques du Laos, du Vietnam, de la Birmanie, de la Chine et du Japon sont d’une grande complexité et il est difficile pour une oreille occidentale de rentrer complètement dans ces musiques. Mais, en écoutant par petites doses, on arrive à se familiariser progressivement avec ces musiques très étrangères à notre culture.
Je me rappelle que pendant toutes les années 70, 80 et 90, j’empruntais énormément de disques, d’abord à la médiathèque de l’université puis à la médiathèque municipale de Besançon. Et quand j’empruntais 4 disques, j’appliquais toujours la même règle (cela a duré trente ans) : j’empruntais deux disques que j’avais vraiment envie d’écouter et deux dont je n’avais absolument pas envie. Et c’est ainsi que les musiques qui me semblaient très rebutantes au départ me sont finalement rentrées dans la peau. Et parmi ces musiques il y a eu le free jazz, la musique du moyen-âge, la chanson d’avant-guerre …
Parmi les premières musiques difficiles qui ont fini par me fasciner il y a eu la musique de l’Inde, certes plus accessible que d’autres musiques asiatiques situées plus à l’Est. Il faut dire que Ravi Shankar a donné trois concerts mémorables : au festival pop de Monterey en 1967, à Woodstock en 1969 et au concert pour le Bangladesh en 1971. Ma génération a donc été forcément imprégnée par le son particulier du sitar et les longs ragas (parfois plus de 20 minutes) joués par les musiciens indiens.
J’ai déjà parlé sur ce blog d’Anoushka Shankar, la fille de Ravi Shankar (et par ailleurs demi-soeur de Norah Jones). Mon premier article date déjà d’il y a six ans. On la retrouve aujourd’hui dans une très belle vidéo. Cette vidéo montre comment, loin de la musique frelatée que nous propose parfois la world music (je développerai un jour ce sujet), les différentes approches musicales (traditionnelles et modernes) peuvent s’enrichir les unes les autres. Ici, Anoushka Shankar joue avec Gold Panda, musicien connu pour ses compositions électroniques et ses boucles hip-hop. Et je trouve qu’à côté de ce musicien, la musique d’Anoushka Shankar se révèle être d’une étonnante modernité.
En ce moment, je suis plutôt dans les musiques qui datent du temps des dinosaures et même d’avant ! Peut-être que les plus vieux d’entre nous se souviendront de certaines de ces musiques qui ont eu un beau succès, parfois planétaire. Mais parfois on ne sait pas que leurs auteurs sont encore vivants et continuent de les jouer. Trois exemples aujourd’hui.
On commence avec sans doute le plus grand tube des années 60 : A Whiter Shade Of Pale de Procol Harum (le morceau commence à 1’10), musique inspirée par deux oeuvres de J.S. Bach.
Quelques décennies plus tard …
Tout aussi connu, The House Of Rising Sun (le tube de l’année 1964) par The Animals
57 ans plus tard, Eric Burdon et ses Animals sont toujours là (on peut allègrement aller au minutage 2’58 pour le début du morceau).
Dernier exemple : en 1965, Van Morrison et son groupe Them jouent Gloria.
52 ans plus tard, Van Morrison est plus actif que jamais (aller directement au minutage 13’01 pour écouter Gloria)
Désolé de vous proposer des vieilleries avec cet article du genre « vide-grenier musical » (mais bon, je m’adapte à l’âge des lecteurs de ce blog, hein !), la prochaine fois j’essaierai de faire beaucoup mieux.
Bonne écoute quand même !
On va beaucoup parler de Woodstok cet été dans les médias. Et pour cause ! Car ce sera le 50ème anniversaire du festival. Mais en août, mon blog sera en pause estivale et je serai trop occupé à faire la sieste et à lire des bouquins pour reprendre sérieusement le cours du blog. Alors un petit article en avance sur le sujet (j’ai déjà parlé du festival sur le blog, mais c’était il y a si longtemps …).
Quand on parle de Woodstock, on fait forcément référence à ce qui s’est passé en Californie dans la deuxième partie des années 60, le festival étant censé être représentatif du mouvement hippie, (le fameux « Flower Power ») et de la contre-culture. Mais tout ça était déjà fini depuis un moment, le festival qui s’est déroulé du 15 au 18 août 1969 n’était en fait que le dernier sursaut d’une époque à jamais révolue (mais qui laissera beaucoup de traces). Un festival nostalgique en quelque sorte !
Peut-être que je ferai un autre article très prochainement car il y eut 32 concerts et le sujet est vaste. Mais aujourd’hui je voudrais juste me focaliser sur cinq artistes qui m’ont beaucoup marqué lorsque le triple album du festival est sorti en mai 70. Woodstock fut d’ailleurs « un accélérateur de carrière » pour ces cinq-là. Il y eut plein d’autres noms tout aussi prestigieux que ces cinq groupes, mais il faut bien dire que certains artistes présents ont un peu loupé leurs prestations (notamment Janis Joplin, Jefferson Airplane, Grateful Dead).
RICHIE HAVENS, qui a ouvert le festival, est incontestablement entré dans l’Histoire de la musique ce jour-là. Et ce fut à la faveur d’une circonstance incroyable. Il avait fini son concert, il n’avait rien prévu d’autre que ce qu’il venait de jouer, mais le groupe suivant (Sweetwater) était bloqué dans les embouteillages (on attendait 50 000 personnes, il en est venu 500 000 et ce fut le plus gros embouteillage de toute l’histoire des Etats-Unis !). Alors Richie Havens a dû improviser pour faire patienter les spectateurs. Pour la prestation que l’on connaît !
Le lendemain, samedi, jour de pluie et de boue, un jeune batteur (MICHAEL SHRIEVE) faisait un effet incroyable dans le groupe de CARLOS SANTANA.
Dimanche 17 août, c’est un personnage nouveau sur la scène musicale, JOE COCKER (qui restera pour moi le meilleur artiste du festival), qui transformera un morceau des Beatles en une version hallucinée. Il y a tout l’esprit du rock dans ce joyau qu’est « With A Little Help From My Friends ».
ALVIN LEE, chanteur et guitariste de TEN YEARS AFTER, fera ensuite une version déjantée de « I’m Going Home ».
Et enfin, le lundi matin au lever du jour, alors qu’il ne reste plus grand monde (à part des tonnes de déchets, oui c’était ça aussi le fameux « peace and love »), JIMI HENDRIX, épuisé, revisite l’hymne américain (on est en pleine guerre du Vietnam) lors d’une des plus célèbres improvisations de l’histoire du rock.
Un petit tour vers mon chanteur suisse préféré et que j’avais un peu perdu de vue je dois dire …
Quelle surprise de le retrouver sur Youtube en train de chanter sept chansons de Dylan !
Une chanteuse (et joueuse de kora), d’origine gambienne, que j’ai envie de vous faire connaître depuis plusieurs années : Sona Jobarteh, ici en concert :
Merci à Isa, Baber et Michel qui sont venus renforcer les temps derniers les discussions sur le blog. Et merci évidemment aux autres, fidèles d’entre les fidèles, qui sont toujours là malgré les années qui passent.
J’avais promis un petit article « en clin d’oeil » pour Michel, mais je n’ai pas pris le temps de l’écrire. Raté donc, mais ce sera pour plus tard.
Le rythme du blog va changer un peu (au moins jusqu’à cet été lors de ma petite pause estivale) : dorénavant il y aura deux articles par semaine, un le lundi sur un thème habituel (nature, jardinage, société …), l’autre le vendredi consacré à la musique.
On a beaucoup parlé de musique sur ce blog les dernières semaines. Aujourd’hui, j’ai envie de poursuivre ma petite rubrique musicale par quelque chose d’un peu frais, de léger. Je vous propose donc une artiste et un groupe que j’ai découverts il y a six mois et que j’ai beaucoup aimés : Davina & The Vagabonds. C’est de la musique d’une autre époque, un peu datée diront certains d’entre vous, mais j’adore ! Quelque part entre ragtime, jazz, blues et la musique de Kurt Weill.
Si vous ne voulez visionner que la partie « concert », vous pouvez zapper les interviews qui sont en noir et blanc. Mais avant d’appuyer sur « play », ouvrez-vous une petite mousse, hein (d’autant plus que c’est de la zik plutôt festive) !
Que la musique soit, et la musique fût (de bière) !
Le morceau de musique du XXème siècle le plus écouté (tous genres confondus) était, jusqu’à très récemment, Smells Like Teen Spirit de Nirvana.
Ce titre a été détrôné en décembre dernier par Bohemian Rhapsody de Queen qui a déjà été écouté 1,6 milliards de fois (oui oui vous avez bien lu !) sur l’ensemble des plateformes de streaming. Etonnant pour un titre qui a déjà plus de 40 ans ! Quand une musique est bonne, elle le reste à vie. Sans doute que film de Bryan Singer sorti à l’automne dernier, a bien contribué à faire revenir cette chanson au premier plan.
Lorsque qu’une musique est excellente, elle dépasse tous les clivages musicaux habituels et on peut imaginer que sa richesse est telle qu’elle pourrait être reprise dans d’autres styles.
Justement, voici deux exemples, sur les deux chansons citées précédemment, avec Anthony Vincent qui a pris l’habitude d’adapter des chansons connues. On le revoit donc dans deux prestations qui sont une nouvelle fois époustouflantes :
