Anoushka Shankar (2)

J’ai toujours beaucoup écouté les musiques traditionnelles asiatiques. Les musiques du Laos, du Vietnam, de la Birmanie, de la Chine et du Japon sont d’une grande complexité et il est difficile pour une oreille occidentale de rentrer complètement dans ces musiques. Mais, en écoutant par petites doses, on arrive à se familiariser progressivement avec ces musiques très étrangères à notre culture.

Je me rappelle que pendant toutes les années 70, 80 et 90, j’empruntais énormément de disques, d’abord à la médiathèque de l’université puis à la médiathèque municipale de Besançon. Et quand j’empruntais 4 disques, j’appliquais toujours la même règle (cela a duré trente ans) : j’empruntais deux disques que j’avais vraiment envie d’écouter et deux dont je n’avais absolument pas envie. Et c’est ainsi que les musiques qui me semblaient très rebutantes au départ me sont finalement rentrées dans la peau. Et parmi ces musiques il y a eu le free jazz, la musique du moyen-âge, la chanson d’avant-guerre …

Parmi les premières musiques difficiles qui ont fini par me fasciner il y a eu la musique de l’Inde, certes plus accessible que d’autres musiques asiatiques situées plus à l’Est. Il faut dire que Ravi Shankar a donné trois concerts mémorables : au festival pop de Monterey en 1967, à Woodstock en 1969 et au concert pour le Bangladesh en 1971. Ma génération a donc été forcément imprégnée par le son particulier du sitar et les longs ragas (parfois plus de 20 minutes) joués par les musiciens indiens.

J’ai déjà parlé sur ce blog d’Anoushka Shankar, la fille de Ravi Shankar (et par ailleurs demi-soeur de Norah Jones). Mon premier article date déjà d’il y a six ans. On la retrouve aujourd’hui dans une très belle vidéo. Cette vidéo montre comment, loin de la musique frelatée que nous propose parfois la world music (je développerai un jour ce sujet), les différentes approches musicales (traditionnelles et modernes) peuvent s’enrichir les unes les autres. Ici, Anoushka Shankar joue avec Gold Panda, musicien connu pour ses compositions électroniques et ses boucles hip-hop. Et je trouve qu’à côté de ce musicien, la musique d’Anoushka Shankar se révèle être d’une étonnante modernité.

Bonne écoute !

Quelques décennies plus tard

En ce moment, je suis plutôt dans les musiques qui datent du temps des dinosaures et même d’avant ! Peut-être que les plus vieux d’entre nous se souviendront de certaines de ces musiques qui ont eu un beau succès, parfois planétaire. Mais parfois on ne sait pas que leurs auteurs sont encore vivants et continuent de les jouer. Trois exemples aujourd’hui.

On commence avec sans doute le plus grand tube des années 60 : A Whiter Shade Of Pale de Procol Harum (le morceau commence à 1’10), musique inspirée par deux oeuvres de J.S. Bach.

Quelques décennies plus tard …

Tout aussi connu, The House Of Rising Sun (le tube de l’année 1964) par The Animals

57 ans plus tard, Eric Burdon et ses Animals sont toujours là (on peut allègrement aller au minutage 2’58 pour le début du morceau).

Dernier exemple : en 1965, Van Morrison et son groupe Them jouent Gloria.

52 ans plus tard, Van Morrison est plus actif que jamais (aller directement au minutage 13’01 pour écouter Gloria)

Désolé de vous proposer des vieilleries avec cet article du genre « vide-grenier musical » (mais bon, je m’adapte à l’âge des lecteurs de ce blog, hein !), la prochaine fois j’essaierai de faire beaucoup mieux.
Bonne écoute quand même !

Woodstock Anniversaire

On va beaucoup parler de Woodstok cet été dans les médias. Et pour cause ! Car ce sera le 50ème anniversaire du festival. Mais en août, mon blog sera en pause estivale et je serai trop occupé à faire la sieste et à lire des bouquins pour reprendre sérieusement le cours du blog. Alors un petit article en avance sur le sujet (j’ai déjà parlé du festival sur le blog, mais c’était il y a si longtemps …).

Quand on parle de Woodstock, on fait forcément référence à ce qui s’est passé en Californie dans la deuxième partie des années 60, le festival étant censé être représentatif du mouvement hippie, (le fameux « Flower Power ») et de la contre-culture. Mais tout ça était déjà fini depuis un moment, le festival qui s’est déroulé du 15 au 18 août 1969 n’était en fait que le dernier sursaut d’une époque à jamais révolue (mais qui laissera beaucoup de traces). Un festival nostalgique en quelque sorte !

Peut-être que je ferai un autre article très prochainement car il y eut 32 concerts et le sujet est vaste. Mais aujourd’hui je voudrais juste me focaliser sur cinq artistes qui m’ont beaucoup marqué lorsque le triple album du festival est sorti en mai 70. Woodstock fut d’ailleurs « un accélérateur de carrière » pour ces cinq-là. Il y eut plein d’autres noms tout aussi prestigieux que ces cinq groupes, mais il faut bien dire que certains artistes présents ont un peu loupé leurs prestations (notamment Janis Joplin, Jefferson Airplane, Grateful Dead).

RICHIE HAVENS, qui a ouvert le festival, est incontestablement entré dans l’Histoire de la musique ce jour-là. Et ce fut à la faveur d’une circonstance incroyable. Il avait fini son concert, il n’avait rien prévu d’autre que ce qu’il venait de jouer, mais le groupe suivant (Sweetwater) était bloqué dans les embouteillages (on attendait 50 000 personnes, il en est venu 500 000 et ce fut le plus gros embouteillage de toute l’histoire des Etats-Unis !). Alors Richie Havens a dû improviser pour faire patienter les spectateurs. Pour la prestation que l’on connaît !

Le lendemain, samedi, jour de pluie et de boue, un jeune batteur (MICHAEL SHRIEVE) faisait un effet incroyable dans le groupe de CARLOS SANTANA.

Dimanche 17 août, c’est un personnage nouveau sur la scène musicale, JOE COCKER (qui restera pour moi le meilleur artiste du festival), qui transformera un morceau des Beatles en une version hallucinée. Il y a tout l’esprit du rock dans ce joyau qu’est « With A Little Help From My Friends ».

ALVIN LEE, chanteur et guitariste de TEN YEARS AFTER, fera ensuite une version déjantée de « I’m Going Home ».

Et enfin, le lundi matin au lever du jour, alors qu’il ne reste plus grand monde (à part des tonnes de déchets, oui c’était ça aussi le fameux « peace and love »), JIMI HENDRIX, épuisé, revisite l’hymne américain (on est en pleine guerre du Vietnam) lors d’une des plus célèbres improvisations de l’histoire du rock.

Ça nous rajeunit pas, hein !

Sarclo chante Dylan

Un petit tour vers mon chanteur suisse préféré et que j’avais un peu perdu de vue je dois dire …
Quelle surprise de le retrouver sur Youtube en train de chanter sept chansons de Dylan !

Bonne écoute !

 

 

Davina & the Vagabonds

Merci à Isa, Baber et Michel qui sont venus renforcer les temps derniers les discussions sur le blog. Et merci évidemment aux autres, fidèles d’entre les fidèles, qui sont toujours là malgré les années qui passent.
J’avais promis un petit article « en clin d’oeil » pour Michel, mais je n’ai pas pris le temps de l’écrire. Raté donc, mais ce sera pour plus tard.
Le rythme du blog va changer un peu (au moins jusqu’à cet été lors de ma petite pause estivale) : dorénavant il y aura deux articles par semaine, un le lundi sur un thème habituel (nature, jardinage, société …), l’autre le vendredi consacré à la musique.
On a beaucoup parlé de musique sur ce blog les dernières semaines. Aujourd’hui, j’ai envie de poursuivre ma petite rubrique musicale par quelque chose d’un peu frais, de léger. Je vous propose donc une artiste et un groupe que j’ai découverts il y a six mois et que j’ai beaucoup aimés : Davina & The Vagabonds. C’est de la musique d’une autre époque, un peu datée diront certains d’entre vous, mais j’adore ! Quelque part entre ragtime, jazz, blues et la musique de Kurt Weill.
Si vous ne voulez visionner que la partie « concert », vous pouvez zapper les interviews qui sont en noir et blanc. Mais avant d’appuyer sur « play », ouvrez-vous une petite mousse, hein  (d’autant plus que c’est de la zik plutôt festive) !
Que la musique soit, et la musique fût (de bière) !

Bon week-end à tous !

Petit rafraîchissement musical

Le morceau de musique du XXème siècle le plus écouté (tous genres confondus) était, jusqu’à très récemment, Smells Like Teen Spirit de Nirvana.

Ce titre a été détrôné en décembre dernier par Bohemian Rhapsody de Queen qui a déjà été écouté 1,6 milliards de fois (oui oui vous avez bien lu !) sur l’ensemble des plateformes de streaming. Etonnant pour un titre qui a déjà plus de 40 ans ! Quand une musique est bonne, elle le reste à vie. Sans doute que film de Bryan Singer sorti à l’automne dernier, a bien contribué à faire revenir cette chanson au premier plan.

Lorsque qu’une musique est excellente, elle dépasse tous les clivages musicaux habituels et on peut imaginer que sa richesse est telle qu’elle pourrait être reprise dans d’autres styles.

Justement, voici deux exemples, sur les deux chansons citées précédemment, avec Anthony Vincent qui a pris l’habitude d’adapter des chansons connues. On le revoit donc dans deux prestations qui sont une nouvelle fois époustouflantes :

Bonne écoute !

Helium Horse Fly (4)

Dixième année d’existence pour Helium Horse Fly qui poursuit son petit bonhomme de chemin. Pour ce nouvel article consacré à cette formation qui est au carrefour de nombreuses influences musicales, on retrouve les quatre musiciens habituels : Marie Billy (voix), Stéphane Dupont (guitare, composition), Dimitri Iannello (basse) et Gil Chevigné (batterie).

Ce groupe belge vient de sortir son 4ème album : Hollowed.

La sortie de ce disque (à la pochette toujours aussi surréaliste) a été saluée par la presse internationale et a fait l’objet de nombreux articles.

Avec Shelter, on commence par quelque chose de très soft, avec juste Marie et Stéphane, histoire de rentrer progressivement dans l’univers musical intimiste de HHF.

La plupart des autres morceaux de l’album ont fait l’objet d’un enregistrement vidéo filmé live à Blend Studio :

Le disque, qui est disponible sur supports CD, vinyle et digital, peut aussi être écouté sur les sites de streaming habituels (Bandcamp, Spotify, iTunes, Google Play Music, Youtube, …).

En préparant cet article, je tombe sur une autre vidéo que je trouve très originale car sur ce morceau de HHF (Lamento of a dinosaur), seul Gil (le batteur) est filmé.

Bonne écoute !

Ravi Shankar à Monterey

Les dates des vacances scolaires franc-comtoises ne me concernent nullement mais elles sont bien pratiques pour moi. Car elles me servent de prétexte pour faire régulièrement les petites pauses dont j’ai besoin (et vous aussi, sans doute). Alors, ne dérogeons pas à la règle, levons le pied ! Le prochain article paraîtra donc le lundi 4 mars.

Je regarde rarement les statistiques de ce blog. Et là, drôle de coïncidence, je me rends compte à l’instant (pourquoi suis-je allé consulter mon tableau de bord ?) que j’ai déjà écrit 1954 articles. Comme 1954 est une très très très très très bonne année pour le monde entier (évidemment, c’est la naissance de St Dupdup 1er), je trouve que cette coïncidence fortuite se fête et qu’elle mérite bien une petite bière, non ? Alors je la bois à votre santé (et accessoirement à la mienne) !!! Car évidemment, on ne saurait faire de fête sans une petite bière, ou deux …

Mais on se saurait aussi faire de fête sans musique. Car, en ce qui me concerne (et je ne suis pas le seul), la musique est au centre de tout. Alors, avant cette petite pause, un dernier article sur un thème musical.

Les années 1960 et le début des années 70 m’ont énormément marqué sur le plan musical. Non pas que la musique y ait été meilleure qu’aujourd’hui (je pense même que c’est le contraire), non pas qu’un vent de folie musique ait soufflé sur ces années-là, non pas que certains langages musicaux aient été inventés à cette époque, mais surtout parce que le public absorbait tout. C’était une éponge. La jeunesse avait soif de musique. Et surtout elle avait soif de toutes les musiques (comme s’il y avait eu une chape de plomb les décennies précédentes) et il n’y avait pas de frontières entre les genres. Il n’y a rien de commun (musicalement parlant) entre Joan Baez et Jimi Hendrix. Pourtant le public aimait les deux.

Les grands festivals ont été les marqueurs de ces années-là. On se souvient évidemment de Woodstock (1969) et de l’île de Wight (1970). Mais le premier grand festival avait eu lieu quelques années plus tôt en 1967. C’était celui de Monterey (Californie).

Les prestations les plus célèbres de ce festival furent sans doute celle d’Otis Redding (juste avant sa mort) et celle de Jimi Hendrix (ce festival allait marquer sa consécration). Mais il y eu plein d’autres artistes (The Who, The Byrds, Jefferson Airplane, Simon & Garfunkel, …).

Et il y a eu le grand Ravi Shankar !

Je suis tombé ces jours-ci sur une vidéo très intéressante à propos de ce dernier. C’est un document que je trouve extraordinaire car il est symptomatique d’une époque musicale historique. Comme je le disais ci-dessus, le public de ces années-là avait soif de tout. 99,9% des Américains qui étaient là n’avaient sans doute jamais entendu de musique indienne. C’était loin de leur monde musical habituel. Et pourtant, que d’applaudissements ce jour-là à Monterey, lorsque le sitar s’arrête de jouer après un long raga de 18 minutes !

La vidéo que je vous propose est datée et les images ne sont pas très bonnes (mais ça n’a pas vraiment d’importance). Sur les sept premières minutes du concert, nous ne voyons pas les musiciens, mais uniquement des images du public (dont Jimi Hendrix à 6’30). Ce témoignage musical donne une belle idée de ce qu’était le public dans les années 60. Je ne suis pas certain qu’aujourd’hui, dans ce monde ou tout doit aller très vite, que l’on puisse encore vivre une musique aussi longue (mais la musique indienne est ainsi faite). 18 minutes non stop, quand même !!!

Le sitar est pour moi l’un des plus beaux instruments qui soient. Je me rends compte aujourd’hui que c’est l’instrument dont j’aurais aimé joué. Mais c’est un instrument complexe et il m’aurait fallu acquérir une éducation musicale très précoce. Alors, ne rêvons pas, ce sera dans une autre vie …

Odeia

Le 17 novembre dernier, on est allé écouter Odeia au Théâtre Edwige Feuillère à Vesoul. Pendant toute la durée du spectacle, on a été subjugué (d’autant plus que le concert était dans le hall très intime du Thev et qu’on était à quelques mètres seulement des musiciens). Je vous propose trois enregistrements de ce groupe réuni autour de la chanteuse Elsa Birgé.

Première vidéo avec une magnifique reprise de Alifib de Robert Wyatt.

On ne connaissait pas du tout, et, comme bien souvent, c’est la présentation du groupe dans la plaquette du THEV qui nous a incité à y aller. Un large extrait du texte (la présentation des artistes est toujours magnifiquement écrite) :

« C’est un quatuor à cordes : violon, violoncelle, contrebasse et, en lieu et place de l’alto, les cordes vocales d’Elsa birgé. Les musiciens n’ont rien de conventionnel. Leur jeu s’adapte à merveille aux chants traditionnels des rivages méditerranéens. Toutes les sirènes ne vous conduisent pas sur des récifs. Certaines vous charment, vous ensorcellent et prennent possession de votre âme qui ne demande que ça. Et puis vous laissent repartir alors qu’on serait bien resté.

Vous vous sentirez un Ulysse d’aujourd’hui. La musique est la bande-son d’une Odyssée contemporaine. Naviguant entre world et impro jazzy, entre chants de marins et musique classique, Odeia explore, jusqu’aux confins de son univers musical, les répertoires qui lui sont accessibles. Ne résistez pas. Point de Charybde ni de Scylla à l’horizon. Juste un voyage en harmonie porté par quatre musiciens en état de grâce. »

Deux autres vidéos :

Tout d’abord un clip. Je ne suis pas un grand amateur de clip, mais ici j’adore (et en plus je suis un admirateur sans réserve du noir et blanc) !

Une très belle reprise de Un jour tu verras (chanson très très vieille vu qu’elle a été écrite l’année de ma naissance en 1954 par Mouloudji, elle a ensuite été reprise de très nombreuses fois : Michel Delpech, Daniel Guichard, Roland Dyens, Jacques Dutronc, Anabelle Mouloudji et Alan Chamfort, Claude Nougaro, Nana Mouskouri, Charles Aznavour, Vincent Delerm et même … Charles Trenet).

La veille du concert à Vesoul sortait le deuxième disque d’Odeia (on a acheté les deux CD à la sortie du concert, on essaie de le faire chaque fois qu’on a aimé le concert, les jeunes talents ont besoin de ces ventes pour survivre dans le monde très difficile de la musique). Ces deux disques (Parlami et Escales) sont magnifiques (avec en plus une belle présentation cartonnée) et sont tous deux disponibles à l’écoute sur les sites habituels de streaming : Deezer, Spotify, Google play music …

A écouter sans retenue !

Johan Dupont, un pianiste d’exception !

MUSIQUE A LIÈGE (1)

En allant régulièrement à Liège, je m’aperçois que la vie musicale y est bien différente, et bien plus riche que dans ma petite région française. Ici, dans ma Franche-Comté habituelle, si je prends l’exemple d’une ville comme Besançon, il me semble difficile de trouver le soir un bar où l’on joue de la musique. Et lorsqu’il y a par hasard un petit concert dans un café, ça se passe dans le contexte d’une ville tellement morte (il n’y a plus un chat dans les rues du centre ville de Besançon dès le début de la soirée) que la moindre initiative musicale parait anachronique, impossible à relier avec le reste de la vie de la cité.

A Liège, au contraire, je vois bien que la vie nocturne forme un tout : des gens qui circulent toute la nuit, des bars qui ne ferment pas (ou très tard), de la musique un peu partout, de la bière qui coule à flots. Et ce, quelque soit la saison ou le jour de la semaine.


Au fil de mes courts séjours à Liège, je me rends compte que la vie musicale n’est pas cloisonnée comme ici en France. On peut ainsi écouter un

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Que seraient-ils devenus si … ?

En cette période de Pâques, on pourrait parler de Patti Smith qui dans son premier disque (1974) disait «Jesus died for somebody’s sins but not mine» (Jésus est mort pour les péchés de quelqu’un, mais pas pour les miens). Propos qu’elle a complété ultérieurement en déclarant  « Le Christ était un homme qui valait la peine qu’on se rebelle contre lui, car il était la rébellion même ». C’est le genre du truc qui me plaît.

Mais ce n’est pas de ça dont je vais vous parler.

Moi qui vis avant tout dans un monde de musique (la première de mes passions, je pourrais vivre dans un monde sans nature – ça va en surprendre quelques-uns, hein ? – mais assurément pas dans un monde sans musique, d’ailleurs quelque soit le moment de la journée j’ai toujours un air dans la tête), je suis un peu obsédé par la question « que seraient-ils devenus si … ».

On a les obsessions qu’on peut hein ?

Que serait devenu Jimi Hendrix, l’étoile filante qui, en trois disques seulement a révolutionné l’histoire de la musique, s’il n’était pas mort à 27 ans ?

Que seraient devenus les Beatles, sans doute le

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Didier Lockwood

La disparition de Didier Lockwood est un choc dans le monde de la musique, et pas seulement dans le monde du jazz.

En cherchant quelques vidéos pour cet article, je suis d’abord tombé sur ce document étonnant enregistré en 2014 à la terrasse d’un café en marge du festival Jazz des Puces. La vidéo commence tout doucement, ça ne démarre véritablement qu’au bout d’une bonne minute, j’adore !

Dans Bach, ça

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Weather Report

Je viens de me livrer à une très belle expérience : lire un bouquin en écoutant simultanément les musiques dont parle le livre en question. Il s’agit en l’occurrence d’un magnifique ouvrage de Christophe Delbrouck , très étayé (450 pages), sur l’histoire du jazz-rock vue à travers le groupe Weather Report.

Il s’agit-là d’une époque (la décennie des années 70) que j’aime beaucoup et qui a permis de ramener au jazz un large public après une certaine désaffection suite aux errances et aux excès du free jazz des années 60 (c’est du moins ce qu’on dit, il s’agit là d’une opinion largement partagée mais … que je ne partage pas, il n’y a jamais eu d’errances ou d’excès, il y a juste eu une voie particulière qui a été explorée et qui a d’ailleurs donné de bien belles choses … et d’autres moins bien).

Le livre présente le cheminement de deux grands musiciens qui seront à l’origine de la création de Weather Report : Joe Zawinul et Wayne Shorter. Au fil des pages, on suit leur parcours musical depuis la fin des années 50. L’un va faire ses armes avec le grand orchestre de Cannonball Aderley, l’autre avec Miles Davis.

Ce dernier, avec son célèbre second quintet, va d’ailleurs être le précurseur de ce qui va arriver en 1969 : la naissance du jazz-rock (que l’on appellera plus tard « jazz-fusion » et que Delbrouck appelle à juste titre dans son livre « jazz électrique »). En effet, après cette période du second quintet, Miles Davis publiera un magnifique disque de jazz électrique : Bitches Brew qui sort dans les bacs quelques mois seulement après le premier disque de jazz rock de l’histoire (Hot Rats de Frank Zappa). Nouveau changement de direction donc pour Miles Davis (qui a souvent dit à l’époque à quel point il a été marqué par les musiciens rock des années 60, notamment Jimi Hendrix, et par les musiciens de musique funk : surtout James Brown et Sly & the Family Stone).

Wayne Shorter et Joe Zawinul participent tous deux à ce grand disque révolutionnaire de Miles Davis. Mais à partir de cette date, ils voleront de leurs propres ailes et créeront le groupe le plus célèbre de toute l’histoire du jazz électrique : Weather Report qui dominera toute la décennie 70 (d’autant plus qu’à cette période Miles Davis, pour des raisons de santé, sera complètement absent de la scène musicale pendant une longue période de six années). Weather Report durera 15 ans, publiera 15 albums et fera autant de tournées mondiales (un disque et une tournée par an). Le groupe sera rejoint en 1976 par le bassiste Jaco Pastorius pour une série de disques grandioses dont beaucoup resteront dans les annales (Black Market, Heavy Weather, Night Passage …).

En lisant cette histoire du jazz électrique, j’ai écouté simultanément et quasi-systématiquement les disques cités dans le livre. Pas seulement ceux de Weather Report, mais également ceux produits par Zawinul et Shorter avant la naissance du groupe ou ceux produits par d’autres artistes à la même époque. Par exemple, si je lisais dans le bouquin qu’au moment où Weather Report sortait tel disque, Herbie Hancock ou Chick Corea en sortaient chacun un autre, j’écoutais les disques en question, parfois tout en continuant de lire le bouquin, parfois en le posant et en me laissant aller à une écoute bien plus attentive. J’ai ainsi écouté tous les disques importants de cette période (Billy Cobham, Stanley Clarke, Return To Forever, Mahavishnu Orchestra, Jean-Luc Ponty, …).

J’ai adoré procéder ainsi. Je crois m’être à peu près approprié l’essentiel de ce qu’a été le jazz électrique de la décennie 70. Avant la lecture du bouquin, je connaissais assez bien les disques de cette époque mais le livre m’a permis de comprendre un peu mieux comment tout ça s’est construit, la cohérence du cheminement de chacun des artistes, les relations entre les musiciens (j’ai par exemple intégré le fait que Weather Report est avant tout le fruit d’une amitié à toute épreuve entre deux musiciens exceptionnels) et ça m’a surtout permis de revoir avec un certain recul cette époque particulière à travers le prisme particulier de la musique. Et puis j’avais 15 ans quand le premier disque de jazz-rock est sorti ! Autant dire qu’à cet âge-là j’avais une soif insatiable de musique (qui ne m’a d’ailleurs jamais quitté depuis). Je me rappelle avoir vécu toutes ces musiques avec passion. Des dizaines d’années plus tard (j’ose pas calculer !), pas besoin de vous dire que je viens de les revivre avec beaucoup de pincements au coeur.

Toute cette lecture et ces écoutes simultanées se sont déroulées il y a quelques semaines. Je ne suis d’ailleurs pas encore complètement sorti de cette expérience, j’ai réécouté depuis, une deuxième fois, la plupart des disques cités dans le livre. Et, histoire de croiser différentes sources biographiques, j’ai aussi consulté tous les articles de Wikipedia sur le sujet (ils sont très très complets et très synthétiques, voir par exemple les articles concernant Miles Davis ou Herbie Hancock). Et – pure coïncidence – au moment où je menais cette expérience lecture/audition, sortait enfin l’intégrale des disques de Weather Report !

Allez hop, avant de vous quitter, un concert complet de Weather Report en Allemagne en 1978 (l’image n’est pas de très bonne qualité mais reste potable tout de même).

Emily Loizeau

« Nous sommes tous potentiellement un migrant, un réfugié, qui un jour aura peut-être besoin d’une main tendue. »
(Emily Loizeau, 20 juin 2017)

Cette belle phrase qui est d’actualité et que j’ai lue récemment dans l’Huma m’a remémoré le concert d’Emily Loizeau qui a eu lieu à Vesoul il y a tout juste un an et que j’ai énormément aimé (j’étais allé au concert sans avoir jamais entendu une chanson d’elle, genre de démarche qui m’arrive souvent). Et puis hier soir, j’ai croisé Albert au théâtre et on a parlé du concert de l’an passé. Alors ça m’a donné doublement envie d’écrire ce matin ce petit article pour mieux vous faire connaître cette artiste.

Pour commencer, une petite interview sur un plateau télé :

Et quelques extraits de

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Petit intermède estival

Comme annoncé dans l’article précédent, ce blog est en congés et reprendra le lundi 11 septembre.

Mais je ne résiste pas à vous faire ce petit clin d’oeil humoristique, juste pour coller à l’actualité du Tour de France. Car je dois dire que la vidéo que Xavier m’a envoyée ce matin m’a énormément fait rire (on peut rire de tout hein ?).

Et comme un été ne serait pas un

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Vieux blues : mon top 10 des musiciens

MON TOP 10 (1)
Les anciens de ce blog le savent : j’aime le vieux blues, le blues des débuts.
Evidemment, j’aime aussi les bluesmen plus récents, ceux qui ont fait passer cette musique à l’électricité(et si d’ailleurs j’ai eu envie d’écrire cet article c’est surtout parce que les Stones ont sorti un magnifique disque de blues il y a quelques jours seulement). Mais ce n’est pas l’objet de cet article, je me bornerai aujourd’hui à parler de la musique des Noirs d’Amérique, musique de gens pauvres et solitaires, musiques d’avant 1960 (même si certaines vidéos que je vais présenter sont un peu postérieures à 1960, lorsque les vieux musiciens ont eu enfin la reconnaissance qu’ils méritaient et qu’on les a vite enregistrés – et parfois filmés – avant qu’ils ne meurent).
Quand je me suis dit que j’allais faire une série d’articles intitulés « Mon top 10 », j’avais dans la tête de

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Live on KEXP (2)

Poursuite de ma petite exploration des concerts proposés par KEXP (voir mon premier article sur le sujet). Petit rappel : il s’agit là de concerts courts entrecoupés de petites interviews, les vidéos proposées excédant rarement les 35′.

Je vous propose aujourd’hui cinq styles de musique bien différents les uns des autres.

D’abord une musique très intimiste, minimaliste, avec un duo suédois/islandais My Bubba.

Ensuite un jeune musicien qui

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