Dixième année d’existence pour Helium Horse Fly qui poursuit son petit bonhomme de chemin. Pour ce nouvel article consacré à cette formation qui est au carrefour de nombreuses influences musicales, on retrouve les quatre musiciens habituels : Marie Billy (voix), Stéphane Dupont (guitare, composition), Dimitri Iannello (basse) et Gil Chevigné (batterie).
Ce groupe belge vient de sortir son 4ème album : Hollowed.
Avec Shelter, on commence par quelque chose de très soft, avec juste Marie et Stéphane, histoire de rentrer progressivement dans l’univers musical intimiste de HHF.
La plupart des autres morceaux de l’album ont fait l’objet d’un enregistrement vidéo filmé live à Blend Studio :
Le disque, qui est disponible sur supports CD, vinyle et digital, peut aussi être écouté sur les sites de streaming habituels (Bandcamp, Spotify, iTunes, Google Play Music, Youtube, …).
En préparant cet article, je tombe sur une autre vidéo que je trouve très originale car sur ce morceau de HHF (Lamento of a dinosaur), seul Gil (le batteur) est filmé.
Les dates des vacances scolaires franc-comtoises ne me concernent nullement mais elles sont bien pratiques pour moi. Car elles me servent de prétexte pour faire régulièrement les petites pauses dont j’ai besoin (et vous aussi, sans doute). Alors, ne dérogeons pas à la règle, levons le pied ! Le prochain article paraîtra donc le lundi 4 mars.
Je regarde rarement les statistiques de ce blog. Et là, drôle de coïncidence, je me rends compte à l’instant (pourquoi suis-je allé consulter mon tableau de bord ?) que j’ai déjà écrit 1954 articles. Comme 1954 est une très très très très très bonne année pour le monde entier (évidemment, c’est la naissance de St Dupdup 1er), je trouve que cette coïncidence fortuite se fête et qu’elle mérite bien une petite bière, non ? Alors je la bois à votre santé (et accessoirement à la mienne) !!! Car évidemment, on ne saurait faire de fête sans une petite bière, ou deux …
Mais on se saurait aussi faire de fête sans musique. Car, en ce qui me concerne (et je ne suis pas le seul), la musique est au centre de tout. Alors, avant cette petite pause, un dernier article sur un thème musical.
Les années 1960 et le début des années 70 m’ont énormément marqué sur le plan musical. Non pas que la musique y ait été meilleure qu’aujourd’hui (je pense même que c’est le contraire), non pas qu’un vent de folie musique ait soufflé sur ces années-là, non pas que certains langages musicaux aient été inventés à cette époque, mais surtout parce que le public absorbait tout. C’était une éponge. La jeunesse avait soif de musique. Et surtout elle avait soif de toutes les musiques (comme s’il y avait eu une chape de plomb les décennies précédentes) et il n’y avait pas de frontières entre les genres. Il n’y a rien de commun (musicalement parlant) entre Joan Baez et Jimi Hendrix. Pourtant le public aimait les deux.
Les grands festivals ont été les marqueurs de ces années-là. On se souvient évidemment de Woodstock (1969) et de l’île de Wight (1970). Mais le premier grand festival avait eu lieu quelques années plus tôt en 1967. C’était celui de Monterey (Californie).
Les prestations les plus célèbres de ce festival furent sans doute celle d’Otis Redding (juste avant sa mort) et celle de Jimi Hendrix (ce festival allait marquer sa consécration). Mais il y eu plein d’autres artistes (The Who, The Byrds, Jefferson Airplane, Simon & Garfunkel, …).
Et il y a eu le grand Ravi Shankar !
Je suis tombé ces jours-ci sur une vidéo très intéressante à propos de ce dernier. C’est un document que je trouve extraordinaire car il est symptomatique d’une époque musicale historique. Comme je le disais ci-dessus, le public de ces années-là avait soif de tout. 99,9% des Américains qui étaient là n’avaient sans doute jamais entendu de musique indienne. C’était loin de leur monde musical habituel. Et pourtant, que d’applaudissements ce jour-là à Monterey, lorsque le sitar s’arrête de jouer après un long raga de 18 minutes !
La vidéo que je vous propose est datée et les images ne sont pas très bonnes (mais ça n’a pas vraiment d’importance). Sur les sept premières minutes du concert, nous ne voyons pas les musiciens, mais uniquement des images du public (dont Jimi Hendrix à 6’30). Ce témoignage musical donne une belle idée de ce qu’était le public dans les années 60. Je ne suis pas certain qu’aujourd’hui, dans ce monde ou tout doit aller très vite, que l’on puisse encore vivre une musique aussi longue (mais la musique indienne est ainsi faite). 18 minutes non stop, quand même !!!
Le sitar est pour moi l’un des plus beaux instruments qui soient. Je me rends compte aujourd’hui que c’est l’instrument dont j’aurais aimé joué. Mais c’est un instrument complexe et il m’aurait fallu acquérir une éducation musicale très précoce. Alors, ne rêvons pas, ce sera dans une autre vie …
Le 17 novembre dernier, on est allé écouter Odeia au Théâtre Edwige Feuillère à Vesoul. Pendant toute la durée du spectacle, on a été subjugué (d’autant plus que le concert était dans le hall très intime du Thev et qu’on était à quelques mètres seulement des musiciens). Je vous propose trois enregistrements de ce groupe réuni autour de la chanteuse Elsa Birgé.
Première vidéo avec une magnifique reprise de Alifib de Robert Wyatt.
On ne connaissait pas du tout, et, comme bien souvent, c’est la présentation du groupe dans la plaquette du THEV qui nous a incité à y aller. Un large extrait du texte (la présentation des artistes est toujours magnifiquement écrite) :
« C’est un quatuor à cordes : violon, violoncelle, contrebasse et, en lieu et place de l’alto, les cordes vocales d’Elsa birgé. Les musiciens n’ont rien de conventionnel. Leur jeu s’adapte à merveille aux chants traditionnels des rivages méditerranéens. Toutes les sirènes ne vous conduisent pas sur des récifs. Certaines vous charment, vous ensorcellent et prennent possession de votre âme qui ne demande que ça. Et puis vous laissent repartir alors qu’on serait bien resté. … Vous vous sentirez un Ulysse d’aujourd’hui. La musique est la bande-son d’une Odyssée contemporaine. Naviguant entre world et impro jazzy, entre chants de marins et musique classique, Odeia explore, jusqu’aux confins de son univers musical, les répertoires qui lui sont accessibles. Ne résistez pas. Point de Charybde ni de Scylla à l’horizon. Juste un voyage en harmonie porté par quatre musiciens en état de grâce. »
Deux autres vidéos :
Tout d’abord un clip. Je ne suis pas un grand amateur de clip, mais ici j’adore (et en plus je suis un admirateur sans réserve du noir et blanc) !
Une très belle reprise de Un jour tu verras (chanson très très vieille vu qu’elle a été écrite l’année de ma naissance en 1954 par Mouloudji, elle a ensuite été reprise de très nombreuses fois : Michel Delpech, Daniel Guichard, Roland Dyens, Jacques Dutronc, Anabelle Mouloudji et Alan Chamfort, Claude Nougaro, Nana Mouskouri, Charles Aznavour, Vincent Delerm et même … Charles Trenet).
La veille du concert à Vesoul sortait le deuxième disque d’Odeia (on a acheté les deux CD à la sortie du concert, on essaie de le faire chaque fois qu’on a aimé le concert, les jeunes talents ont besoin de ces ventes pour survivre dans le monde très difficile de la musique). Ces deux disques (Parlami et Escales) sont magnifiques (avec en plus une belle présentation cartonnée) et sont tous deux disponibles à l’écoute sur les sites habituels de streaming : Deezer, Spotify, Google play music …
En allant régulièrement à Liège, je m’aperçois que la vie musicale y est bien différente, et bien plus riche que dans ma petite région française. Ici, dans ma Franche-Comté habituelle, si je prends l’exemple d’une ville comme Besançon, il me semble difficile de trouver le soir un bar où l’on joue de la musique. Et lorsqu’il y a par hasard un petit concert dans un café, ça se passe dans le contexte d’une ville tellement morte (il n’y a plus un chat dans les rues du centre ville de Besançon dès le début de la soirée) que la moindre initiative musicale parait anachronique, impossible à relier avec le reste de la vie de la cité.
A Liège, au contraire, je vois bien que la vie nocturne forme un tout : des gens qui circulent toute la nuit, des bars qui ne ferment pas (ou très tard), de la musique un peu partout, de la bière qui coule à flots. Et ce, quelque soit la saison ou le jour de la semaine.
Au fil de mes courts séjours à Liège, je me rends compte que la vie musicale n’est pas cloisonnée comme ici en France. On peut ainsi écouter un
En cette période de Pâques, on pourrait parler de Patti Smith qui dans son premier disque (1974) disait «Jesus died for somebody’s sins but not mine» (Jésus est mort pour les péchés de quelqu’un, mais pas pour les miens). Propos qu’elle a complété ultérieurement en déclarant « Le Christ était un homme qui valait la peine qu’on se rebelle contre lui, car il était la rébellion même ». C’est le genre du truc qui me plaît.
Mais ce n’est pas de ça dont je vais vous parler.
Moi qui vis avant tout dans un monde de musique (la première de mes passions, je pourrais vivre dans un monde sans nature – ça va en surprendre quelques-uns, hein ? – mais assurément pas dans un monde sans musique, d’ailleurs quelque soit le moment de la journée j’ai toujours un air dans la tête), je suis un peu obsédé par la question « que seraient-ils devenus si … ».
On a les obsessions qu’on peut hein ?
Que serait devenu Jimi Hendrix, l’étoile filante qui, en trois disques seulement a révolutionné l’histoire de la musique, s’il n’était pas mort à 27 ans ?
La disparition de Didier Lockwood est un choc dans le monde de la musique, et pas seulement dans le monde du jazz.
En cherchant quelques vidéos pour cet article, je suis d’abord tombé sur ce document étonnant enregistré en 2014 à la terrasse d’un café en marge du festival Jazz des Puces. La vidéo commence tout doucement, ça ne démarre véritablement qu’au bout d’une bonne minute, j’adore !
Je viens de me livrer à une très belle expérience : lire un bouquin en écoutant simultanément les musiques dont parle le livre en question. Il s’agit en l’occurrence d’un magnifique ouvrage de Christophe Delbrouck , très étayé (450 pages), sur l’histoire du jazz-rock vue à travers le groupe Weather Report.
Il s’agit-là d’une époque (la décennie des années 70) que j’aime beaucoup et qui a permis de ramener au jazz un large public après une certaine désaffection suite aux errances et aux excès du free jazz des années 60 (c’est du moins ce qu’on dit, il s’agit là d’une opinion largement partagée mais … que je ne partage pas, il n’y a jamais eu d’errances ou d’excès, il y a juste eu une voie particulière qui a été explorée et qui a d’ailleurs donné de bien belles choses … et d’autres moins bien).
Le livre présente le cheminement de deux grands musiciens qui seront à l’origine de la création de Weather Report : Joe Zawinul et Wayne Shorter. Au fil des pages, on suit leur parcours musical depuis la fin des années 50. L’un va faire ses armes avec le grand orchestre de Cannonball Aderley, l’autre avec Miles Davis.
Ce dernier, avec son célèbre second quintet, va d’ailleurs être le précurseur de ce qui va arriver en 1969 : la naissance du jazz-rock (que l’on appellera plus tard « jazz-fusion » et que Delbrouck appelle à juste titre dans son livre « jazz électrique »). En effet, après cette période du second quintet, Miles Davis publiera un magnifique disque de jazz électrique : Bitches Brew qui sort dans les bacs quelques mois seulement après le premier disque de jazz rock de l’histoire (Hot Rats de Frank Zappa). Nouveau changement de direction donc pour Miles Davis (qui a souvent dit à l’époque à quel point il a été marqué par les musiciens rock des années 60, notamment Jimi Hendrix, et par les musiciens de musique funk : surtout James Brown et Sly & the Family Stone).
Wayne Shorter et Joe Zawinul participent tous deux à ce grand disque révolutionnaire de Miles Davis. Mais à partir de cette date, ils voleront de leurs propres ailes et créeront le groupe le plus célèbre de toute l’histoire du jazz électrique : Weather Report qui dominera toute la décennie 70 (d’autant plus qu’à cette période Miles Davis, pour des raisons de santé, sera complètement absent de la scène musicale pendant une longue période de six années). Weather Report durera 15 ans, publiera 15 albums et fera autant de tournées mondiales (un disque et une tournée par an). Le groupe sera rejoint en 1976 par le bassiste Jaco Pastorius pour une série de disques grandioses dont beaucoup resteront dans les annales (Black Market, Heavy Weather, Night Passage …).
En lisant cette histoire du jazz électrique, j’ai écouté simultanément et quasi-systématiquement les disques cités dans le livre. Pas seulement ceux de Weather Report, mais également ceux produits par Zawinul et Shorter avant la naissance du groupe ou ceux produits par d’autres artistes à la même époque. Par exemple, si je lisais dans le bouquin qu’au moment où Weather Report sortait tel disque, Herbie Hancock ou Chick Corea en sortaient chacun un autre, j’écoutais les disques en question, parfois tout en continuant de lire le bouquin, parfois en le posant et en me laissant aller à une écoute bien plus attentive. J’ai ainsi écouté tous les disques importants de cette période (Billy Cobham, Stanley Clarke, Return To Forever, Mahavishnu Orchestra, Jean-Luc Ponty, …).
J’ai adoré procéder ainsi. Je crois m’être à peu près approprié l’essentiel de ce qu’a été le jazz électrique de la décennie 70. Avant la lecture du bouquin, je connaissais assez bien les disques de cette époque mais le livre m’a permis de comprendre un peu mieux comment tout ça s’est construit, la cohérence du cheminement de chacun des artistes, les relations entre les musiciens (j’ai par exemple intégré le fait que Weather Report est avant tout le fruit d’une amitié à toute épreuve entre deux musiciens exceptionnels) et ça m’a surtout permis de revoir avec un certain recul cette époque particulière à travers le prisme particulier de la musique. Et puis j’avais 15 ans quand le premier disque de jazz-rock est sorti ! Autant dire qu’à cet âge-là j’avais une soif insatiable de musique (qui ne m’a d’ailleurs jamais quitté depuis). Je me rappelle avoir vécu toutes ces musiques avec passion. Des dizaines d’années plus tard (j’ose pas calculer !), pas besoin de vous dire que je viens de les revivre avec beaucoup de pincements au coeur.
Toute cette lecture et ces écoutes simultanées se sont déroulées il y a quelques semaines. Je ne suis d’ailleurs pas encore complètement sorti de cette expérience, j’ai réécouté depuis, une deuxième fois, la plupart des disques cités dans le livre. Et, histoire de croiser différentes sources biographiques, j’ai aussi consulté tous les articles de Wikipedia sur le sujet (ils sont très très complets et très synthétiques, voir par exemple les articles concernant Miles Davis ou Herbie Hancock). Et – pure coïncidence – au moment où je menais cette expérience lecture/audition, sortait enfin l’intégrale des disques de Weather Report !
Allez hop, avant de vous quitter, un concert complet de Weather Report en Allemagne en 1978 (l’image n’est pas de très bonne qualité mais reste potable tout de même).
« Nous sommes tous potentiellement un migrant, un réfugié, qui un jour aura peut-être besoin d’une main tendue. »
(Emily Loizeau, 20 juin 2017)
Cette belle phrase qui est d’actualité et que j’ai lue récemment dans l’Huma m’a remémoré le concert d’Emily Loizeau qui a eu lieu à Vesoul il y a tout juste un an et que j’ai énormément aimé (j’étais allé au concert sans avoir jamais entendu une chanson d’elle, genre de démarche qui m’arrive souvent). Et puis hier soir, j’ai croisé Albert au théâtre et on a parlé du concert de l’an passé. Alors ça m’a donné doublement envie d’écrire ce matin ce petit article pour mieux vous faire connaître cette artiste.
Pour commencer, une petite interview sur un plateau télé :
Comme annoncé dans l’article précédent, ce blog est en congés et reprendra le lundi 11 septembre.
Mais je ne résiste pas à vous faire ce petit clin d’oeil humoristique, juste pour coller à l’actualité du Tour de France. Car je dois dire que la vidéo que Xavier m’a envoyée ce matin m’a énormément fait rire (on peut rire de tout hein ?).
MON TOP 10 (1)
Les anciens de ce blog le savent : j’aime le vieux blues, le blues des débuts.
Evidemment, j’aime aussi les bluesmen plus récents, ceux qui ont fait passer cette musique à l’électricité(et si d’ailleurs j’ai eu envie d’écrire cet article c’est surtout parce que les Stones ont sorti un magnifique disque de blues il y a quelques jours seulement). Mais ce n’est pas l’objet de cet article, je me bornerai aujourd’hui à parler de la musique des Noirs d’Amérique, musique de gens pauvres et solitaires, musiques d’avant 1960 (même si certaines vidéos que je vais présenter sont un peu postérieures à 1960, lorsque les vieux musiciens ont eu enfin la reconnaissance qu’ils méritaient et qu’on les a vite enregistrés – et parfois filmés – avant qu’ils ne meurent).
Quand je me suis dit que j’allais faire une série d’articles intitulés « Mon top 10 », j’avais dans la tête de
C’est en cherchant des vidéos sur un artiste soul que j’aime beaucoup, Charles Bradley, que je suis tombé sur les séances d’enregistrement de la radio The Strombo Show qui est une radio canadienne.
Moi qui suis un adepte du noir et blanc, j’ai été très
Poursuite de ma petite exploration des concerts proposés par KEXP (voir mon premier article sur le sujet). Petit rappel : il s’agit là de concerts courts entrecoupés de petites interviews, les vidéos proposées excédant rarement les 35′.
Je vous propose aujourd’hui cinq styles de musique bien différents les uns des autres.
D’abord une musique très intimiste, minimaliste, avec un duo suédois/islandais My Bubba.
Et puisque je vous ai quitté il y a quinze jours avec un article intitulé « discussions au coin du feu », il m’a semblé logique de vous retrouver avec ce petit concert filmé dans le même esprit, dans une belle intimité. Pas tout à fait « au coin du feu » mais presque !
Un commentaire de Frusquin mis cet été sur le blog m’a incité à lire le livre d’Alain Dister consacré au Grateful Dead. Dans la foulée, j’ai réécouté tous les
Des découvertes musicales de ce tonneau-là, on n’en fait pas tous les jours !
J’ai été très ému, touché au plus profond de moi, par cette première vidéo.
Alors, j’ai enchaîné avec d’autres, trouvées sur youtube.
Extrait de Wikipedia à propos de Mélanie de Biasio :« En 2002, une grave inflammation pulmonaire la laissera sans voix pendant une année après une tournée désastreuse en Russie. L’expérience va l’inviter à apprivoiser le silence et la respiration, ainsi que le corps et ses résonances. ». J’aime beaucoup cette dernière phrase.
Drôle de coïncidence : lorsque j’ai découvert cet été cette artiste Belge, j’étais sur un lit d’hôpital et je me baladais sur youtube avec ma tablette. Et j’étais là … pour des problèmes pulmonaires. Double émotion pour moi donc lorsque, après avoir écouté sa musique, j’ai voulu en savoir plus et que je suis allé consulté l’article de Wikipedia.
Pour la reprise de ce blog, juste un peu de musique.
Et comme les 75 berges de Paul Simon approchent, qu’il vient de sortir un dernier disque, qu’il vient aussi d’annoncer son retrait définitif de la chanson, et que j’ai écouté plusieurs fois tous ses disques cet été, j’ai envie de mettre l’accent sur l’une de ses compositions : « The Sound Of Silence ». Des morceaux comme cela, qui passent à la postérité, même les meilleurs artistes ne peuvent en écrire au mieux que quelques-uns dans leur vie (et même souvent jamais).
Il faut dire que je suis tombé cet été sur un clip qui m’a beaucoup ému. Il s’agit de la reprise de cette chanson par Nouela. Je ne sais pas qui a mis sur la musique des images d’extraits de films. J’ignore s’il s’agit d’un professionnel ou d’un amateur, mais le résultat est magnifique.
Deux amis (Pascal et Laurence) qui étaient à la maison ont reconnu tous les acteurs et je dois dire que j’ai été scotché par leurs connaissances cinéphiles. Cela n’a évidemment pas été mon cas, n’étant pas très amateur de cinéma. Vous allez forcément vous en sortir bien mieux que moi …
https://www.youtube.com/watch?v=Q4oInT79CUk
Ce qui est bien maintenant avec Youtube, c’est qu’à la suite de n’importe quelle vidéo le site vous propose d’autres vidéos sur le même thème. Et cela m’a amené vers une version étonnante d’un groupe de Heavy Metal (dont je ne connaissais que le nom). On admirera la progression au fil de la chanson.
L’histoire de cette chanson est étonnante. Lorsque Simon et Garfunkel ont publié « The Sound Of Silence » sur leur premier disque en 1964, la chanson est passée complètement inaperçue. Le disque a même été un échec commercial et Simon et Garfunkel ont alors décidé de se séparer. Mais Dylan est passé entre temps, faisant passer définitivement le folk à l’électrique. Profitant de ce renouveau de la musique, le producteur du disque Tom Wilson a alors décidé d’enregistrer à l’insu de Simon et Garfunkel une version bien plus électrique de la chanson « Sound Of Silence ». Simon et Garfunkel n’ont même pas été mis au courant que trois musiciens choisis par Tom Wilson (Al Gorgoni, Bob Bushnell et Bobby Gregg) réenregistraient la partie instrumentale dans leur dos. La chanson est donc devenue un an plus tard, dans une nouvelle version, numéro un des ventes aux Etats-Unis, obligeant ainsi Paul Simon et Art Garfunkel à reprendre leur collaboration … pour le succès que l’on sait.
Les voici tous les deux en 1967 :
Pour finir, une version toute récente de Paul Simon. On sent qu’il est au bout de ce qu’il a donné, la voix a perdu de sa force mais y a gagné en émotion. Il y a un côté crépusculaire dans cette version et peut-être est-ce pour cela que j’aime tant cette vidéo.
J’écoute beaucoup de musique des années 60 et 70 mais je sais pertinemment que ce qui se fait aujourd’hui est meilleur, musicalement parlant. Les nouvelles générations ont tellement intégré toutes les musiques des précédentes décennies que dans n’importe quelle ville ou région il y a un guitariste qui joue mieux que Jimi Hendrix … mais qui n’a pas eu la chance de naître au bon moment. Et puis il y a tellement de choses qui ont été composées et jouées qu’il n’y a plus forcément grand chose à inventer (de vraiment neuf). Et dans la pléthore d’excellents musiciens actuels (partout, dans n’importe quelle ville) il n’est pas facile d’émerger du lot.
C’est aussi pour sortir un peu de la période des sixties et des seventies que
Dylan a 75 ans aujourd’hui. Et cet anniversaire s’accompagne de la sortie de son 38ème album officiel (paru ce vendredi 20 mai).
Que dire de ce disque ?
Dylan n’est jamais là où on l’attend. Il n’est plus dans notre époque, il y a quelque chose d’intemporel désormais dans toutes ses compositions. De crépusculaire aussi.
Depuis 1997, date de la « renaissance » de Dylan, ses disques se succèdent, tous très différents les uns des autres, et sont unanimement salués par la critique et le public :
– Time Out Of Mind obtient plusieurs Grammy Awards en 1997, dont celui « d’album de l’année ».
– Love And Theft obtient en 2001 les mêmes distinctions et devient disque de platine en raison du nombre important de ventes.
– Modern Times, publié en 2006, reçoit également plusieurs Grammy et se vend à 2,5 millions d’exemplaires.
– Together Through Life (2009) est le premier album de Dylan à être n° 1 des ventes dans cinq pays dont les Etats-Unis et le Royaume-Uni.
– Tempest a été en 2012 dans le Top de 14 pays.
J’ai mis toutes ces références pour celles qui pensent que Dylan n’est qu’un chanteur des années 60 et qu’il a disparu depuis longtemps des feux de l’actualité.
En 2015, Dylan a publié un disque que personne n’attendait. Il s’agit de Shadows In The Night qui ne contient que des chansons de Frank Sinatra. On savait que Dylan a toujours saisi toutes les occasions (notamment dans ses Mémoires) de rappeler ce qu’il doit aux artistes qui l’ont précédé (Woody Guthrie, Robert Johnson, Muddy Waters, Buddy Holly, Little Richard, Elvis Presley). Mais de là à reprendre les chansons de Sinatra … Quelle drôle d’idée ! Quel point commun entre le crooner à la voix de velours et le rocker à la voix rocailleuse du genre « gros rouge qui tache » ? Pourtant la critique fut là aussi unanime, le disque atteignant même le n°1 des ventes au Royaume-Uni. Joëlle, qui n’est habituellement pas très fan de Dylan, adore ce disque. La semaine dernière, un jeune de 21 ans, amateur plutôt de rap, qui était à la maison a dit qu’il aimait bien cette musique lorsque j’ai mis le disque sur la platine (sans préciser de qui il s’agissait).
Vendredi dernier, Dylan a donc sorti son nouvel opus, le 38ème, intitulé Fallen Angels. Et chose étonnante, le disque n’est composé que de reprises … de Frank Sinatra. Dylan réitère donc l’exercice. Tout est somptueux dans ce nouveau disque (je l’ai déjà écouté une douzaine de fois depuis vendredi). Voici ce qu’en dit le premier commentaire posté par un amateur sur Amazon : « En fait, Bob Dylan fait ici exactement la même chose que quand il chante ses propres textes : le portrait de l’Amérique. Et quand il fait un album de reprises, c’est le portrait d’une Amérique passée, à laquelle il prête ce qui lui reste de voix, dans un regard romantique où la nostalgie et le réalisme rivalisent. Les arrangements, somptueux, mettent les chansons en perspective de façon assez fascinante … ».
Concernant le premier disque sur Sinatra paru l’an passé, en voici un extrait, la chanson The Night We Called It A Day ayant fait l’objet d’un clip dans lequel Dylan joue le rôle d’un gangster (rôle qui à mon avis lui va très bien).
Vous pouvez écouter le disque complet sur Spotify, Deezer, Google Play …
Quand au nouveau disque, Fallen Angels, il n’est pas encore disponible sur les sites de streaming. Sans doute qu’il le sera rapidement. Deux morceaux avaient cependant été mis en ligne il y a quelques semaines à titre de promotion du disque, les voici :
Joyeux anniversaire Bob ! Et merci pour m’avoir fait replonger dans l’oeuvre de Sinatra !
